OS RECORDAMOS CLASE DE ARTE CONTEMPORÁNEO EL MIÉRCOLES

ENLACE* LA FABRICA DE ANDY WARHOL CON BOD DYLAN

Habituales de la Factory

Por la Factory pasaron muchas celebridades de las artes como Truman Capote, Allen Ginsberg, Salvador Dalí, Bob Dylan, Mick Jagger, Fernando Arrabal, Brian Jones o John Giorno. Otras personas habituales en el estudio, muchas de las cuales fueron elegidas Warhol Superstars, fueron Edie Sedgwick, Gerard Malanga, Ondine, Ivy Nicholson, Ingrid Superstar, Jeremiah Newton, Jackie Curtis, Frank Holliday, Holly Woodlawn, Viva, Billy Name, Freddie Herko, Mario Montez, Naomi Levine, Taylor Mead, Mary Woronov, Ronnie Cutrone, Jane Forth, Lenny Dahl, Baby Jane Holtzer, Ultra Violet, Brigid Polk, Paul America, Penny Arcade, Bobby Driscoll, entre otros muchos visitantes.

 

El estudio

En palabras de John Cale en 2002: No se llamaba The Factory gratuitamente, allí era donde se producían en cadena las serigrafías de Warhol. Mientras alguien estaba haciendo una serigrafía, otra persona estaba rodando una película. Cada día ocurría algo nuevo.

Cuando Warhol se hizo famoso trabajaba noche y día en sus cuadros, que consistían en serigrafías y litografías fabricadas en serie de la misma manera que las grandes empresas capitalistas fabricaban productos de consumo. Para poder seguir este ritmo de trabajo reunió a su alrededor a una camarilla de estrellas porno, drogadictos, drag-queens, músicos y librepensadores que le ayudarían a elaborar sus cuadros, actuarían en sus películas y crearían el ambiente que convirtió a la Factory en una leyenda.

La Factory fue famosa por sus escandalosas fiestas y por ser frecuentada por modernos con pretensiones artísticas, bohemios excéntricos y consumidores de anfetaminas. Entre ellos, Warhol elegía a las llamadas Warlhol Superstars, a las que promocionaba durante cierto tiempo hasta que nombraba a la siguiente Superstar, llevando así a la práctica su famosa frase que aseguraba que todo el mundo tendría sus quince minutos de fama.

Silver Factory

El estudio original todavía es conocido entre sus antiguos asiduos como Silver Factory, ya que las paredes estaban recubiertas de papel de estaño, espejos rotos y pintura plateada, una decoración que Warhol a menudo completaba con globos del mismo color. El color plateado representaba tanto la decadencia de ese mundo como el proto-glam de los años 1960.

El decorador del estudio fue Billy Name, un amigo de Warhol que también trabajó como fotógrafo para la Factory. Tras visitar el apartamento de Name, decorado de la misma manera, Warhol se enamoró de la idea y le pidió que hiciera lo mismo para su recién alquilado estudio. Billy Name dio su estilo a la Factory, combinando la estructura industrial del estudio sin amueblar, con el color plata brillante. Los años de la Factory fueron conocidos como la Edad de plata, no solamente por el diseño del local, si no también por el decadente y despreocupado estilo de vida de los personajes habituales del estudio, basado en el dinero, las fiestas, las drogas y la fama.

Además de para crear sus pinturas, Warhol también utilizaba la Factory como base de operaciones para hacer sus películas, esculturas y en general todo lo que llevara su nombre. También la usó para vender sus obras, la primera de las cuales consistía en una litografía vendida por 25000 dólares con unos lienzos adicionales cuyo precio era de 5000 dólares cada uno, cantidad que más tarde subiría a 25000. Warhol gastó buena parte de estos sustanciosos ingresos en sufragar el estilo de vida de sus amigos de la Factory, donde prácticamente se nadaba entre el dinero.

 

TEMA 4.       LOS AÑOS 70. ARTE MINIMAL. Análisis de obras de los más importantes representantes de la tendencia mínimal en arte y música.  El Concepto de menos es más. 

ENLACE*YVES KLEIN Y SUS MONOCROMOS

Piero Manzoni (13 de julio de 1933 - 6 de febrero de 1963) fue un artista italiano célebre por su arte conceptual irónico, como respuesta a la obra de Yves Klein.

  

Lucio Fontana y la ruptura física del espacio artístico. Ligado a la pintura contemplativa aparece en Europa la obra de Lucio Fontana y el espacialismo italiano.

 Manifiesto Blanco (1946).

Anuncia con timidez la crisis de la pintura de caballete, la introducción de la tercera dimensión a través de los agujeros y los cortes... En cierto modo, abre el camino a las estructuras de repetición y será la semilla del arte cinevisual italiano. Para lograr una transformación radical en el ámbito artístico se requiere, según el Manifiesto, "un cambio en la esencia y en la forma. Se requiere la superación de la pintura, la escultura, la poesía y la música. Es necesario un arte mayor de acuerdo con las exigencias del espíritu nuevo". "La materia, el color y el sonido en movimiento son los fenómenos cuyo desarrollo simultáneo integra el nuevo arte."Plásticamente expresa estas ideas con la serie de cuadros con perforaciones, iniciada en 1949, y más tarde con cortes. En ambas series existe un factor común: el cromático. Las telas son pintadas con un solo color, extendido uniformemente por toda la superficie, sin resaltar ningún tipo de rugosidad o aspereza. Los lienzos son tensados al máximo y dispuestos sobre el bastidor. En ese momento el artista incide con un punzón o un cuchillo sobre la superficie y obtiene los agujeros y rajas.

Los "agujeros" -que en su tiempo llamaron la atención por su novedad y su absurdidad aparente- son, al mismo tiempo, signos capaces de fijar la línea del dibujo, la huella compositiva, con la misma precisión y el mismo carácter de improvisación de la pincelada o del recorrido obtenido directamente con el color exprimido del tubo.

Si en los cuadros con perforaciones cabe resaltar el hecho de que el artista se decanta por aludir al aspecto de la multiplicidad (nunca realiza un único agujero, sino varios, que adquieren diversas configuraciones), en los cuadros cortados domina la simplicidad. Los cortes suelen ser dos, tres o cinco, no más.

En su obra existe un claro componente sígnico que procede de las configuraciones puntuales, formadas por las perforaciones, o bien por la direccionalidad de los cortes. En ambos casos, Fontana llega a obtener aspectos insólitos de espacios "otros" que conectan el mundo circunscrito al lienzo con el mundo externo al mismo.

Si los pintores de la materia logran un dinamismo de luz y sombra a través del marcado relieve producido por los gruesos empastes, Fontana logra ese mismo dinamismo a través de los agujeros y los cortes.