LA JUNTA DIRECTIVA DE LA ASOCIACIÓN CULTURAL DE AMIGOS DEL ARTE VOLAVERUNT LES DESEA UNAS FELICES NAVIDADES Y UN VENTUROSO 2014

DESPUÉS DE UN AÑO CORRIENDO DE MUSEO EN MONUMENTO POR FÍN UN DESCANSO DE BUEN YANTAR PARA RECUPERAR EL ALIENTO. NUESTROS MEJORES DESEOS PARA EL AÑO QUE VIENE

 

ARTE MÍNIMAL . . . O MINIMALISMO.

PINCHA EN EL ENLACE


Art Mínimal o Minimalismo

· En los años 60 un grupo de artistas USA reacciona contra los valores del expresionismo abstracto

(subjetividad, emotividad, pintura gestual e improvisación)

· Los principales representantes del Minimalismo fueron Judd, Flavin, André Carl y R. Morris. Sobre

todo éste último junto con Judd.

· Todos ellos están interesados en la construcción de objetos tridimensionales y en la creencia de que

una obra de Arte debía ser concebida completamente en la mente del artista antes de ejecutarla. Era

más importante la idea inicial que el proceso, el concepto era más importante que el objeto.

· Las formas mínimal son tridimensionales y geométricas, cúbicas y modulares (módulo repetido).

Sencillez extrema y repetición. Estas formas están desprovistas de todo significado, no hay

iconografía.

· La igualdad de las partes componentes, la repetición, las superficies neutras, hacen que la obra se vea

como algo que podría continuar sin límites. Si la idea prevalece sobre el objeto, éste debe ser sencillo,

desnudo.

· El Arte Mínimal se convirtió en una estética de moda durante los años 60 y 70 y de ahí se extendió a

la poesía, la danza, la música (Philip Glass, Nyman o Mertens)

 

ACTIVIDADES DICIEMBRE

1-     ARTE CONTEMPORÁNEO.

Lugar:                        Cantera de Empresas.

Horario:                     De 18.00 a 20.00 horas.    

Fecha:                        Tema IV: 11 de Diciembre

2- MAÑANAS PARA EL DIÁLOGO FILOSÓFICO 

Lugar:                        Cantera de Empresas

Horario:                     Lunes de 11.00 a 13.00 horas.

Fechas:                       El 2 y el 16 de Diciembre.

 3-ARQUEOLOGÍA

Lugar:               Cantera de Empresas

Horario:           Viernes de 11.00 a 13.00 horas.   

Fechas:            Tema VII y VIII–  El 13 y 20 de diciembre.             

                                               

4- CINE

Lugar:                             Cantera de Empresas.

Horario y Fechas:    

Sesión teórica III-Miércoles  4 de 11.00 a 13.00 h.

Proyección y coloquio-Día  18 de  10.30 a 13.30 h.

5- ESCULTURA

Lugar:                        Cantera de Empresas

Horario:                     De 11.00 a 13.00 horas.    

Fechas:                       Jueves 12 de Diciembre.

Temas II– Las grandes épocas de la escultura de Occidente

 
MONOGRÁFICOS
Velázquez y la familia de Felipe IV
(Como preparación de la Exposición del Museo de El Prado)

 

Lugar:                        Cantera de Empresas

Horario:                     De 11.00 a 13.00 horas.

Fecha:                         Lunes 9 de Diciembre

RECORRIDO POR MADRID

            
Fechas:                       Jueves 19 de Diciembre
“ LOS JUDIOS EN MADRID Y LA FIESTA DE HANUKKA O NAVIDAD JUDÍA”

Salidas:                      De Alpedrete: 9.15 h. Casa de Cultura.

                                     De C. Villalba: 9.25 h. (CIM)

                                     De C. Villalba: 9.30 h. (Casa de Cultura).

Encuentro:  Plaza de Oriente: Café de Oriente a las 10’25 h.

Regreso:                     Salida de Madrid. 13.00 h. apróx.

COMIDA DE NAVIDAD

Lugar:        Restaurante “El Camping” en San Lorenzo del Escorial

Horario:     14’00 horas.

Fecha:         Sábado 14 de Diciembre

Salidas:       De Alpedrete: 13.15 h. Casa de Cultura.
                      De C. Villalba: 13.25 h. C.I.M.
                      De C. Villalba: 13.30 h. Casa de Cultura.

Regreso:     Salida del restaurante 17.00 h. apróx

 

CONCIERTO  Y  ÓPERA
1.     CONCIERTO
XIV GRAN GALA DE ZARZUELA DE AÑO NUEVO

Lugar:       Auditorio Nacional de Música de Madrid

                    Calle Príncipe de Vergara, 146

Fecha:        Sábado 4 de Enero de 2014.

Horario:    Función: 19:30 horas.        

Salidas:      De Alpedrete: 17:15h. Casa de Cultura.

                     De C. Villalba: 17:25 h. C.I.M.
                     De C. Villalba: 17:30 h. Casa de Cultura.

Encuentro:     Taquillas del Teatro 20 minutos antes.

Regreso:         Salida de Madrid: 22:00 h. aprox.

 2. ÓPERA

THE METROPOLITAN OPERA (DESDE NUEVA YORK. EN DIRECTO):

“F A L S T A F F”

Lugar:                         Cines Yelmo Planetocio.- Collado Villalba.

Fecha:                         Sábado 14 de Diciembre.

Horario:                     Función: 19:00 horas.    

Encuentro:                Taquillas del Cine 20 minutos antes.

Ópera:                        Música: Giuseppe Verdi (1813-1901).

                                    Libreto: Arrigo Bioto. Basado en la obra de Shakespeare:                               
                                    “Las alegres comadres de Windsor”. 

Género:                      Comedia lírica operística.

 

MÁS POP ... ¿Dónde te encuentras?

Años 60.Arte pop (nuevo realismo).

Lichtenstein: marca el canon de la mujer americana, de las películas, de los cómics… No es el único, la iconografía es más rica, y toda ella la va a recoger el arte pop. El arte pop: va a recoger la realidad que tiene al rededor. Refleja la sociedad de consumo con sus elementos característicos.

 

Tomate Campbell y Coca Cola. Andy Warhol.

Hockney, David. A Bigger Splash


No solo objetos cotidianos, también los iconos, como Kennedy, Mao… La bandera americana (Jasper Johns’ ‘Flag,) o la bomba atómica.

También el glamour de aquellos años. Por ejemplo, Marylin. Una de las cosas curiosas que tiene el pop, y que triunfa, es que es muy bonito y muy agradable. Una imagen propia de américa, que tiene su propia vida trágica, es un mito moderno de la vida de América. Tributo hacia sus propios héroes.

Lenguaje pop: fotografías, serigrafías, … Se sigue utilizando hoy el lenguaje pop de manera muy curiosa.  No es crítica a su cultura, solo ponen en evidencia los elementos propios de su cultura.

Equipo crónica (Pop Art en España). Etapa final de la dictadura. Es un poco más crítica social, o al menos a su propia historia. Por ejemplo, Las Meninas. Una crítica a sus mitos.

Volvemos  a Lichtenstein. ¿Qué diferencias hay entre su obra y un cómic?

1. La dimensión: una viñeta de un comic cabe en un trozo de periódico, este cuadro es enorme.
2. Solo existe este, no hay más. Esta hecho a mano, pintado, y no hay más.
3. La factura. Esto está pintado al óleo, el cómic es una cosa impresa.

Es una chica que esta esperando a alguien que le ha dado plantón. La postura viene del arte clásico, de Durero, que representa melancolía.

 

Grabado de Durero, 'Melancolía'

Marcel Duchamp. Es el artista más influyente del siglo XX y el Pop Art va a ser influenciado por él. Sacar un elemento de su contexto, 1917, es lo que hizo Duchamp con su ‘Fuente’. Por ejemplo, lo anterior no era un cómic, era un comic sacado de su contexto. Ya lo hacía Duchamp.

 

 

Brushstroke, de Liechestein

Brushstroke. Es una obra en reacción contra Pollock que se había dado en los años 50 (informalismo o expresionismo abstracto, la expresividad pictórica). En el expresionismo, la personalidad del pintor es muy importante. En el de pop, no. Es aséptico, frente al expresionismo del expresión del pintor, el pop lo convierte en una imagen, en un icono. Al mismo tiempo es una crítica y un homenaje, él lo reconoce. Pero este cuadro representa un poco esa crisis del informalismo: se supone que es la máxima expresión del artista, y resulta que empieza a ser repetitivo… no tiene sentido. Pollock, sí, pero 40 como Pollock haciendo lo que él ya no.

La primera exposición, año 1962: es una contrarrevolución. De hecho se llama Nuevo Realismo. Es un arte moderno pero a la vez todos los elementos son clásicos: bodegón, retratos… Cualquier objeto de la realidad puede ser una obra de arte, es lo que aprende el arte pop de  Duchamp.

El artista empieza a desaparecer, no hace falta que haga la obra físicamente. La idea de que el artista es un ser genial, único, empieza a desaparecer. No podemos pintar como Rafael, pero si hacer la Marilyn. Ni siquiera hace falta que él haga la obra, Warhol tenía un estudio con gente que trabajaban para él.

El pop abre caminos, y uno de ellos es la contrarrevolución. Se acabó eso de tener que terminar con lo anterior. De nuevo la figuración. Y esta línea nos lleva a pintar mejor.

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HIPERREALISMO

 

Extrema imitación a la realidad, de hecho muchas veces utilizan la fotografía. Son los temas del pop: el mundo contemporáneo.

Edward Hopper (Compartimento de tren, Noctámbulos y Habitación de hotel)

 

 

 

Richard Estes







Antonio López (María, Gran Vía)

Francis Bacon. Figuras tremendamente doloridas y agresivas. Es expresionismo. Deformación física de los elementos para buscar otros fines que no sean el retrato: drama interior…

Soutine. Ya no es la imagen agradable del pop.

Freud. Sobrino nieto de Freud. Ha muerto hace un año. Realismo pero mucho más dramático y más agresivo. Motivos clásicos pero con una visión sórdida, agresiva, provocativa también en cierto modo.

Botero. Con más gracia y más amable.

Nueva Figuración (segunda reacción contra el expresionismo, la primera es el hiperrealismo):Si nos falla el expresionismo abstracto porque empieza a ser repetitivo, tal vez lo que falla no es la abstracción sino el sentido de la expresión. Hagamos arte abstracto sin expresión. Hay muchas variaciones para que no sea siempre igual

Yves Klein.

FONTANA. Dos conceptos espaciales.

Arte cinético o pop art.

Crear figuras y sensaciones ópticas. El arte cinético también viene de Duchamp. Sus esculturas de efectos ópticos o con realmente movimiento como la rueda de bicicleta.  Para que funcionen necesitan al espectador, que es capaz de ser engañado opticamente. Victor Vasarelli.

ARTE MINIMAL

También la idea de que lo que falla no es la abstracción, es la expresividad. Abstracción geométrica sin mayor complicación pero con un matiz: las obras no las hacen ellos. Elementos prefabricados. Otra vez la idea de que el artista empieza a desaparecer. Es una arte frio, duro de ver. Placas, ajedrez, tubo de neón apoyado de manera distinta, vertical. O de manera horizontal y creamos un espacio. Vamos a tener sensaciones como espectadores. La mayoría, sin titulo. Porque no quiere expresar nada, solo son formas geométricas puras, pura abstracción.

ARTE POVERA

Elementos pobres, hasta los desechos. Son basuras, pero con una venus antigua “La venus de los trapos”. Y tenemos la abstracción, en toda la masa de elementos pobres, y la figuración en una figura clásica. De nuevo se vuelve a la idea de retomar las referencias clásicas como en Bacon. Lo vamos a ir viendo cada vez más.

En escultura tiene mucha repercusión. De hecho los grades escultores de hoy en día son minimalistas.
Richard Serra.



Oteiza.



Chillida.

Años 50. Informalismo. Culmen de las vanguardias. Se llega a un limite y, por tanto, surgen las reacciones:

1. una conservadora: el pop. Una vuelta a la figuración y representarlos como antiguos clásicos: el retrato, el bodegón… Valoración del objeto como obra de arte.
2. Los abstractos, que evitan esa expresión, y vuelven a la expresión mas pura. Cada vez tiene que decir menos cosas y poner objetos que ellos mismos digan cosas.

Si lo importante es el proceso mental de elabrorar la obra, la obra deja de tener importancia en sí. Hacer no obras. Al mismo tiempo: poder de las galerías y de los museos que quieren obras de arte, con unos precios muy altos y más revalorizados. Es una pequeña contradicción. ¿Cómo hacer arte sin hacer obras de arte?

Happening, performance, accionesInteresa que la relación entre el espectador y las obras sea cada vez mayor, hasta el punto de formar parte de ellas. Lo que importa es la acción, por tanto hagamos acciones que son efímeras. No importa el objeto sino el hecho en sí de hacerlas. El concepto del artista creador pero que la obra desaparece justo después. La provocación es importante, quieren provocar al espectador. Joseph Beuys (Fluxus) es de los más importantes de este movimiento.

 

 

Happening: el espectador hace la obra el mismo. Participa pero además son parte activa de la accion artística. Un arte cada vez más directo que interpela cada vez más al espectador y que no deja a nadie indiferente. Ejemplos vistos: el espectador pasando entre los dos artistas desnudos, una mujer leyendo un poema extraido de su vagina, o (BODY ART) una mujer que se opera como obra de arte. Se opera las partes de la cara como partes de mujeres que aparecen en obras de arte famosas.

LAND ART. Impacto visual, llamativo, provocador.. pero también: el mundo del plástico que rodea la naturaleza, que la presiona, que se la esta comiendo. La sociedad industrial que está asediando la naturaleza.  Artista: Christo

 

RECORDATORIO

Estimados socios:

Os recordamos que mañana miércoles 27 de noviembre a las 11.30 horas en el aula de la Cantera de Empresas, el Director de la agencia de viajes Mundo Amigo hará una presentación del viaje a Nápoles.

 

OS RECORDAMOS CLASE DE ARTE CONTEMPORÁNEO EL MIÉRCOLES

ENLACE* LA FABRICA DE ANDY WARHOL CON BOD DYLAN

Habituales de la Factory

Por la Factory pasaron muchas celebridades de las artes como Truman Capote, Allen Ginsberg, Salvador Dalí, Bob Dylan, Mick Jagger, Fernando Arrabal, Brian Jones o John Giorno. Otras personas habituales en el estudio, muchas de las cuales fueron elegidas Warhol Superstars, fueron Edie Sedgwick, Gerard Malanga, Ondine, Ivy Nicholson, Ingrid Superstar, Jeremiah Newton, Jackie Curtis, Frank Holliday, Holly Woodlawn, Viva, Billy Name, Freddie Herko, Mario Montez, Naomi Levine, Taylor Mead, Mary Woronov, Ronnie Cutrone, Jane Forth, Lenny Dahl, Baby Jane Holtzer, Ultra Violet, Brigid Polk, Paul America, Penny Arcade, Bobby Driscoll, entre otros muchos visitantes.

 

El estudio

En palabras de John Cale en 2002: No se llamaba The Factory gratuitamente, allí era donde se producían en cadena las serigrafías de Warhol. Mientras alguien estaba haciendo una serigrafía, otra persona estaba rodando una película. Cada día ocurría algo nuevo.

Cuando Warhol se hizo famoso trabajaba noche y día en sus cuadros, que consistían en serigrafías y litografías fabricadas en serie de la misma manera que las grandes empresas capitalistas fabricaban productos de consumo. Para poder seguir este ritmo de trabajo reunió a su alrededor a una camarilla de estrellas porno, drogadictos, drag-queens, músicos y librepensadores que le ayudarían a elaborar sus cuadros, actuarían en sus películas y crearían el ambiente que convirtió a la Factory en una leyenda.

La Factory fue famosa por sus escandalosas fiestas y por ser frecuentada por modernos con pretensiones artísticas, bohemios excéntricos y consumidores de anfetaminas. Entre ellos, Warhol elegía a las llamadas Warlhol Superstars, a las que promocionaba durante cierto tiempo hasta que nombraba a la siguiente Superstar, llevando así a la práctica su famosa frase que aseguraba que todo el mundo tendría sus quince minutos de fama.

Silver Factory

El estudio original todavía es conocido entre sus antiguos asiduos como Silver Factory, ya que las paredes estaban recubiertas de papel de estaño, espejos rotos y pintura plateada, una decoración que Warhol a menudo completaba con globos del mismo color. El color plateado representaba tanto la decadencia de ese mundo como el proto-glam de los años 1960.

El decorador del estudio fue Billy Name, un amigo de Warhol que también trabajó como fotógrafo para la Factory. Tras visitar el apartamento de Name, decorado de la misma manera, Warhol se enamoró de la idea y le pidió que hiciera lo mismo para su recién alquilado estudio. Billy Name dio su estilo a la Factory, combinando la estructura industrial del estudio sin amueblar, con el color plata brillante. Los años de la Factory fueron conocidos como la Edad de plata, no solamente por el diseño del local, si no también por el decadente y despreocupado estilo de vida de los personajes habituales del estudio, basado en el dinero, las fiestas, las drogas y la fama.

Además de para crear sus pinturas, Warhol también utilizaba la Factory como base de operaciones para hacer sus películas, esculturas y en general todo lo que llevara su nombre. También la usó para vender sus obras, la primera de las cuales consistía en una litografía vendida por 25000 dólares con unos lienzos adicionales cuyo precio era de 5000 dólares cada uno, cantidad que más tarde subiría a 25000. Warhol gastó buena parte de estos sustanciosos ingresos en sufragar el estilo de vida de sus amigos de la Factory, donde prácticamente se nadaba entre el dinero.

 

TEMA 4.       LOS AÑOS 70. ARTE MINIMAL. Análisis de obras de los más importantes representantes de la tendencia mínimal en arte y música.  El Concepto de menos es más. 

ENLACE*YVES KLEIN Y SUS MONOCROMOS

Piero Manzoni (13 de julio de 1933 - 6 de febrero de 1963) fue un artista italiano célebre por su arte conceptual irónico, como respuesta a la obra de Yves Klein.

  

Lucio Fontana y la ruptura física del espacio artístico. Ligado a la pintura contemplativa aparece en Europa la obra de Lucio Fontana y el espacialismo italiano.

 Manifiesto Blanco (1946).

Anuncia con timidez la crisis de la pintura de caballete, la introducción de la tercera dimensión a través de los agujeros y los cortes... En cierto modo, abre el camino a las estructuras de repetición y será la semilla del arte cinevisual italiano. Para lograr una transformación radical en el ámbito artístico se requiere, según el Manifiesto, "un cambio en la esencia y en la forma. Se requiere la superación de la pintura, la escultura, la poesía y la música. Es necesario un arte mayor de acuerdo con las exigencias del espíritu nuevo". "La materia, el color y el sonido en movimiento son los fenómenos cuyo desarrollo simultáneo integra el nuevo arte."Plásticamente expresa estas ideas con la serie de cuadros con perforaciones, iniciada en 1949, y más tarde con cortes. En ambas series existe un factor común: el cromático. Las telas son pintadas con un solo color, extendido uniformemente por toda la superficie, sin resaltar ningún tipo de rugosidad o aspereza. Los lienzos son tensados al máximo y dispuestos sobre el bastidor. En ese momento el artista incide con un punzón o un cuchillo sobre la superficie y obtiene los agujeros y rajas.

Los "agujeros" -que en su tiempo llamaron la atención por su novedad y su absurdidad aparente- son, al mismo tiempo, signos capaces de fijar la línea del dibujo, la huella compositiva, con la misma precisión y el mismo carácter de improvisación de la pincelada o del recorrido obtenido directamente con el color exprimido del tubo.

Si en los cuadros con perforaciones cabe resaltar el hecho de que el artista se decanta por aludir al aspecto de la multiplicidad (nunca realiza un único agujero, sino varios, que adquieren diversas configuraciones), en los cuadros cortados domina la simplicidad. Los cortes suelen ser dos, tres o cinco, no más.

En su obra existe un claro componente sígnico que procede de las configuraciones puntuales, formadas por las perforaciones, o bien por la direccionalidad de los cortes. En ambos casos, Fontana llega a obtener aspectos insólitos de espacios "otros" que conectan el mundo circunscrito al lienzo con el mundo externo al mismo.

Si los pintores de la materia logran un dinamismo de luz y sombra a través del marcado relieve producido por los gruesos empastes, Fontana logra ese mismo dinamismo a través de los agujeros y los cortes.