Años 60.Arte pop (nuevo realismo).
Lichtenstein: marca el canon de la mujer americana, de las películas, de los cómics… No es el único, la iconografía es más rica, y toda ella la va a recoger el arte pop. El arte pop: va a recoger la realidad que tiene al rededor. Refleja la sociedad de consumo con sus elementos característicos.
Tomate Campbell y Coca Cola. Andy Warhol.
Hockney, David. A Bigger Splash
No solo objetos cotidianos, también los iconos, como Kennedy, Mao… La bandera americana (Jasper Johns’ ‘Flag,) o la bomba atómica.
También el glamour de aquellos años. Por ejemplo, Marylin. Una de las cosas curiosas que tiene el pop, y que triunfa, es que es muy bonito y muy agradable. Una imagen propia de américa, que tiene su propia vida trágica, es un mito moderno de la vida de América. Tributo hacia sus propios héroes.
Lenguaje pop: fotografías, serigrafías, … Se sigue utilizando hoy el lenguaje pop de manera muy curiosa. No es crítica a su cultura, solo ponen en evidencia los elementos propios de su cultura.
Equipo crónica (Pop Art en España). Etapa final de la dictadura. Es un poco más crítica social, o al menos a su propia historia. Por ejemplo, Las Meninas. Una crítica a sus mitos.
Volvemos a Lichtenstein. ¿Qué diferencias hay entre su obra y un cómic?
- La dimensión: una viñeta de un comic cabe en un trozo de periódico, este cuadro es enorme.
- Solo existe este, no hay más. Esta hecho a mano, pintado, y no hay más.
- La factura. Esto está pintado al óleo, el cómic es una cosa impresa.
Grabado de Durero, 'Melancolía'
Marcel Duchamp. Es el artista más influyente del siglo XX y el Pop Art va a ser influenciado por él. Sacar un elemento de su contexto, 1917, es lo que hizo Duchamp con su ‘Fuente’. Por ejemplo, lo anterior no era un cómic, era un comic sacado de su contexto. Ya lo hacía Duchamp.
Brushstroke, de Liechestein
Brushstroke. Es una obra en reacción contra Pollock que se había dado en los años 50 (informalismo o expresionismo abstracto, la expresividad pictórica). En el expresionismo, la personalidad del pintor es muy importante. En el de pop, no. Es aséptico, frente al expresionismo del expresión del pintor, el pop lo convierte en una imagen, en un icono. Al mismo tiempo es una crítica y un homenaje, él lo reconoce. Pero este cuadro representa un poco esa crisis del informalismo: se supone que es la máxima expresión del artista, y resulta que empieza a ser repetitivo… no tiene sentido. Pollock, sí, pero 40 como Pollock haciendo lo que él ya no.
La primera exposición, año 1962: es una contrarrevolución. De hecho se llama Nuevo Realismo. Es un arte moderno pero a la vez todos los elementos son clásicos: bodegón, retratos… Cualquier objeto de la realidad puede ser una obra de arte, es lo que aprende el arte pop de Duchamp.
El artista empieza a desaparecer, no hace falta que haga la obra físicamente. La idea de que el artista es un ser genial, único, empieza a desaparecer. No podemos pintar como Rafael, pero si hacer la Marilyn. Ni siquiera hace falta que él haga la obra, Warhol tenía un estudio con gente que trabajaban para él.
El pop abre caminos, y uno de ellos es la contrarrevolución. Se acabó eso de tener que terminar con lo anterior. De nuevo la figuración. Y esta línea nos lleva a pintar mejor.
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HIPERREALISMO
Extrema imitación a la realidad, de hecho muchas veces utilizan la fotografía. Son los temas del pop: el mundo contemporáneo.
Edward Hopper (Compartimento de tren, Noctámbulos y Habitación de hotel)
Antonio López (María, Gran Vía)
Francis Bacon. Figuras tremendamente doloridas y agresivas. Es expresionismo. Deformación física de los elementos para buscar otros fines que no sean el retrato: drama interior…
Soutine. Ya no es la imagen agradable del pop.
Freud. Sobrino nieto de Freud. Ha muerto hace un año. Realismo pero mucho más dramático y más agresivo. Motivos clásicos pero con una visión sórdida, agresiva, provocativa también en cierto modo.
Botero. Con más gracia y más amable.
Nueva Figuración (segunda reacción contra el expresionismo, la primera es el hiperrealismo):Si nos falla el expresionismo abstracto porque empieza a ser repetitivo, tal vez lo que falla no es la abstracción sino el sentido de la expresión. Hagamos arte abstracto sin expresión. Hay muchas variaciones para que no sea siempre igual
Yves Klein.
FONTANA. Dos conceptos espaciales.
Arte cinético o pop art.
Crear figuras y sensaciones ópticas. El arte cinético también viene de Duchamp. Sus esculturas de efectos ópticos o con realmente movimiento como la rueda de bicicleta. Para que funcionen necesitan al espectador, que es capaz de ser engañado opticamente. Victor Vasarelli.
ARTE MINIMAL
También la idea de que lo que falla no es la abstracción, es la expresividad. Abstracción geométrica sin mayor complicación pero con un matiz: las obras no las hacen ellos. Elementos prefabricados. Otra vez la idea de que el artista empieza a desaparecer. Es una arte frio, duro de ver. Placas, ajedrez, tubo de neón apoyado de manera distinta, vertical. O de manera horizontal y creamos un espacio. Vamos a tener sensaciones como espectadores. La mayoría, sin titulo. Porque no quiere expresar nada, solo son formas geométricas puras, pura abstracción.
ARTE POVERA
Elementos pobres, hasta los desechos. Son basuras, pero con una venus antigua “La venus de los trapos”. Y tenemos la abstracción, en toda la masa de elementos pobres, y la figuración en una figura clásica. De nuevo se vuelve a la idea de retomar las referencias clásicas como en Bacon. Lo vamos a ir viendo cada vez más.
En escultura tiene mucha repercusión. De hecho los grades escultores de hoy en día son minimalistas.
Richard Serra.
Oteiza.
Chillida.
Años 50. Informalismo. Culmen de las vanguardias. Se llega a un limite y, por tanto, surgen las reacciones:
- una conservadora: el pop. Una vuelta a la figuración y representarlos como antiguos clásicos: el retrato, el bodegón… Valoración del objeto como obra de arte.
- Los abstractos, que evitan esa expresión, y vuelven a la expresión mas pura. Cada vez tiene que decir menos cosas y poner objetos que ellos mismos digan cosas.
Si lo importante es el proceso mental de elabrorar la obra, la obra deja de tener importancia en sí. Hacer no obras. Al mismo tiempo: poder de las galerías y de los museos que quieren obras de arte, con unos precios muy altos y más revalorizados. Es una pequeña contradicción. ¿Cómo hacer arte sin hacer obras de arte?
Happening, performance, accionesInteresa que la relación entre el espectador y las obras sea cada vez mayor, hasta el punto de formar parte de ellas. Lo que importa es la acción, por tanto hagamos acciones que son efímeras. No importa el objeto sino el hecho en sí de hacerlas. El concepto del artista creador pero que la obra desaparece justo después. La provocación es importante, quieren provocar al espectador. Joseph Beuys (Fluxus) es de los más importantes de este movimiento.
Happening: el espectador hace la obra el mismo. Participa pero además son parte activa de la accion artística. Un arte cada vez más directo que interpela cada vez más al espectador y que no deja a nadie indiferente. Ejemplos vistos: el espectador pasando entre los dos artistas desnudos, una mujer leyendo un poema extraido de su vagina, o (BODY ART) una mujer que se opera como obra de arte. Se opera las partes de la cara como partes de mujeres que aparecen en obras de arte famosas.
LAND ART. Impacto visual, llamativo, provocador.. pero también: el mundo del plástico que rodea la naturaleza, que la presiona, que se la esta comiendo. La sociedad industrial que está asediando la naturaleza. Artista: Christo
Preferentemente se dedicó al retrato y a los monumentos conmemorativos. Su primera medalla la consiguió en 1887 con la imagen del pintor Ribera.
En Roma modeló la del Beato Juan de Ribera, de 1896. A pesar de que es una obra más convencional debido a las exigencias del encargo y por el decoro del personaje, está trabajada con gran minuciosidad.
